DisparodeNieve

Hoy me he acercado a la Universidad Pompeu Fabra para ponerme un poco al día de las noticias del mundo y, ya que estamos, dejaré un pequeño recuerdo de las últimas pelis que vi.

Blow-Up (1966), de Michelangelo Antonioni, basado en un relato de Julio Cortázar.

A grandes rasgos, cuenta un día en la vida de un fotógrafo londinense, sin embargo, no se trata de un día cualquiera: ha fotografiado algo que sólo descubrirá después de haber revelado y examinado las fotografías.

Antonioni demuestra aquí su capacidad para medir el tempo de la historia, para realizar diálogos y silencios intensos, para caracterizar a los personajes mediante un sólo gesto, para mostrar una nueva forma de sensualidad... La banda sonora es genial, no hay más que recordar lo que comenzaba a sonar en la Inglaterra de mediados de los sesenta.

Bonnie and Clyde (1967), de Arthur Penn.

Uno de los comienzos mejor trabajados del cine: el momento en que se conocen Bonnie y Clyde... ¿Se puede ser más sutil y decidido a la vez? La verdad, es que si los primeros minutos son tan buenos, ya tienes media película hecha. Ese paseo por el pueblo, esa curiosidad de Bonnie, ese modo de tocar el revólver..., ya nos ha contado de alguna manera toda la historia.

Clyde: No te convengo, a mi lado no tendrías un día de paz en tu vida.

Bonnie: ¿Me lo prometes?

No tengo palabras para Faye Dunaway, tan sólo sueños.

Final de impacto.

Singing’ in the rain (1952), de Stanley Donen y Gene Kelly.

¿Qué puedo decir? Uno de los musicales por antonomasia de la Historia del Cine. Me ha encantado, de hecho, todavía continuan varias canciones en mi cabeza.

Kathy (Debbie Reynols): Good mornin’
Cosmo (Donald O’Connor): Good mornin’!
Don (Gen Kelly): We’ve talked the whole night through
Kathy: Good mornin’
Kathy, Don & Cosmo: Good mornin’ to you.

Uno de los mejores ejemplos de rodaje en plató.

Momento de absoluta felicidad este de aquí abajo: cantando bajo la lluvia.

Casino (1995), de Martin Scorsese.

Se suele decir que la voz en off es un recurso poco grato para contar historias visualmente y es cierto. Sin embargo, Casino no se podría haber realizado de otro modo y si se hiciera, no sería ya lo mismo. Scorsese no sólo vuelve a tratar sus temas preferidos, el cine del cual ha mamado, los gánsters, mafiosos, etc, sino que, además, ya deja un poco de lado sus incipientes juegos de cámara para dar una clase magistral de montaje. A medida que iban pasando los minutos, los segundos, me echaba las manos a la cabeza pensando en la cantidad de trabajo y de tiempo de rodaje, porque si me pongo a pensar en el presupuesto, me caigo de la butaca.

Que alguien me corrija, si me equivoco, pero yo creo que el primer acto dura más de cuarenta minutos. Se trata de algo prodigioso, porque funciona, ya que lo clásico es que el primer acto no vaya más allá de los quince minutos, en los que se presenta al personaje principal, su contexto, al antagonista, los objetivos, el primer punto de giro...

El primer punto de giro no podría ser mejor: Ginger (Sharon Stone).

Joe Pesci sigue su habitual camino de gran actor; pequeño, pero matón.

Les quatre cents coups (1959), François Truffaut.

Este señor, Truffaut, con veintisiete años rodó una obra maestra porque le dio la gana. La historia de un niño inadaptado y solo.

Para el recuerdo: el travelling lateral de Antoine Doinel escapando y la escena final en la playa.

Truffaut: Hago las películas que me hubiese gustado ver cuando era joven.

Panic Room (2002), de David Fincher.

Resulta poco conveniente que el espectador vaya por delante del guión en una obra cinematográfica, sobre todo, porque se crea el mayor problema: el aburrimiento. De todos modos, cabe señalar algún aspecto: una puesta en escena auxiliada por la tecnología digital que nos pone el punto de vista en lugares imposibles, no sólo para la cámara física, sino también para el ojo humano (véase cómo se presenta la casa cuando los ladrones pretenden entrar). Además, Jodie Foster puede cargar toda una película vulgar sobre sus espaldas para hacerla medianamente interesante.

La strada (1956), de Federico Fellini.

La triste vida de un artista ambulante y su mujer. Una historia de dolor contenido, para que cada uno lo interiorice a su modo. Aparecen la excelente actriz Giulietta Masina (Gelsomina Di Costanzo) y un duro Anthony Quinn (Zampano).

Manuale d’Amore (2005), de Giovanni Veronesi.

Una comedia que consigue la risa y, en ocasiones, la carcajada. Trata el tema del amor en cada una de sus fases: enamoramiento, pasión, traición, abandono. Cada uno de estos apartados está protagonizado por una pareja diferente en Roma.

Para pasar un buen rato.

Obaba (2005), de Montxo Armendáriz.

Siempre estuve del lado de las adaptaciones literarias al cine, muy pocas veces me decepcionan. En este caso, Obaba es el resultado de confeccionar una historia partiendo de varios relatos. La estructura de la película hace eco de ello, mucha gente al salir del cine se pregunta cuál es la historia que más le ha conmovido y, en realidad, se está remontando a cierto relato literario.

Yo he disfrutado, sobre todo, con la del niño Esteban (Ryan Cameron).

Esteban: Si tu mejor amiga, la que más quieres, no contesta a tus cartas, ¿qué hay que hacer?

Maestra: Esperar.

Esteban: ¿Para qué?

Maestra: Para olvidar.

Esteban: ...

Maestra:...

Esteban: ¿Y si no eres capaz de olvidar?

Maestra: Seguir esperando. 

Que no haya sido seleccionada por los estadounidenses para los Óscars no debiera importar mucho, se trata de un cine poético y no comercial. Me alegra saber que la Academia española sí la seleccionó, sin embargo, el cine nacional estuvo cojo en 2005.

Le feu follet (1963), de Louis Malle.

La película que más me ha conmovido en los últimos meses. El tempo narrativo, el diálogo, el silencio, el reparto..., todo genial. El tranfondo es lo mejor. Se trata del film que siempre quise realizar, pero ya estaba hecho. No pasa nada, está muy bien hecho.

Quien me quiera conocer, que lo vea.